Física moderna y arte abstracto

La física moderna, con sus nociones de “cuatridimensional” y del “espacio tiempo”, es decir, con lo que se ha llamado “Irrupción del tiempo en la conciencia humana” ha tenido repercusiones en la evolución de las ideas estéticas contemporáneas.

La física moderna, con sus nociones de “cuatridimensional” y del “espacio tiempo”, es decir, con lo que se ha llamado “Irrupción del tiempo en la conciencia humana” ha tenido repercusiones en la evolución de las ideas estéticas contemporáneas.

En 1509 apareció en Venecia un libro del monje italiano Luca Paciuoli titulado De divina proportione, donde se esbozaba la tesis de que la proporción y la armonía rigen todas las cosas y fenómenos de la naturaleza. Era la teoría del “número de oro” (Sectio Aurea) de Leonardo da Vinci, desarrollada a mediados del siglo pasado por Zaysing y estudiada por Matile C. Bhuka, en virtud de la cual, lo mismo en la naturaleza como en el arte, la belleza se obtiene cuando las normas y dimensiones de los seres u objetos guardan entre sí determinadas relaciones numéricas. Se trataba, por lo tanto, de establecer estrechos vínculos conceptuales entre la matemática y el arte. Pintores y arquitectos renacentistas, como Piero della Francesca, Rafael Bramante, Vignola, el propio Miguel Ángel, consideraban que para crear formas bellas era indispensable el conocimiento profundo de las matemáticas y de la geometría. De estas consideraciones tuvo origen el arte de la perspectiva; aun cuando al principio fue un simple instrumento técnico de la arquitectura y de la pintura, sin embargo, con el tiempo supondría el descubrimiento del espacio tridimensional.

Esta concepción se mantuvo hasta que Einstein echó abajo los cimientos de la física clásica. Comenzaba la era de la relatividad, de lo “cuatridrimensional”. A medida que se fueron imponiendo estas ideas se comenzó a evidenciar en la pintura una pérdida de la perspectiva tridimensional.

El primer paso lo dio Cézanne. Aunque sus cuadros no pierden completamente el sentido de perspectiva, tienden a la bidimensionalidad. El paso definitivo lo darían los cubistas. Al aparecer las primeras obras cubistas, el poeta y crítico francés Guillaume Apollinaire, lanzó la hipótesis de que la preocupación fundamental de los nuevos artistas era encontrar “una cuarta dimensión”, y evidentemente en las obras de Picasso, de Gris o de Braque, el tiempo invade todo el contenido del cuadro, según leyes que prescinden total o parcialmente de la realidad física. Y en el mismo sentido se pronunciaba Arthur March:

“No se debe a simple azar el que el arte en los últimos años presente en su desarrollo un paralelo con la ciencia. También en el arte se advierte una progresiva inclinación a separarse del mundo tal como lo perciben nuestros sentidos, y a traducir las cosas concretas en relaciones de líneas y colores. Su propósito es exactamente el mismo de la física. En ambas esferas lo abstracto nace de una creciente profundidad de pensamiento”

Si nos fijamos, por ejemplo, en las esculturas abstractas de Pevsner, Gabo o Maholy Nagy, se evidencia en ellas un espíritu científico. No sólo las matemáticas parecen dominar esas construcciones de metal, plexiglás o vidrio, sino que también revelan fórmulas matemáticas.

Pero hay algo más que meras coincidencias teóricas de la ciencia física con el arte. El mundo técnico que nos ha tocado vivir, en el cual nos hemos ido acostumbrando a la visión cotidiana de infinidad de objetos técnicos que, con sus formas y coloridos, producen inesperadas sensaciones ópticas.

¿Puede, sin embargo, la máquina engendrar belleza? El futurismo fue sin duda uno de los movimientos de vanguardia que dio a esta pregunta una respuesta afirmativa.

La temática de la máquina aparece en los años 1910 1912, generalizándose simultáneamente en toda Europa. En Italia con los pintores futuristas; en Francia, Robert Delaunay, Fernand Leger, Marcel Duchamp y Francis Picabia. En sus obras introducen toda una serie de imágenes mecanoformes como trenes, aviones, automóviles, iluminación eléctrica, carteles publicitarios, es decir, todos aquellos objetos que animan las ciudades modernas y las caracterizan con el sello del maquinismo. En Estados Unidos la máquina es el tema concreto que determina las composiciones de la mayor parte de los pintores que se reagrupan alrededor de la Photo Secession Gallery de Stieglitz. Se puede decir, por lo tanto, que para un gran número de pintores de vanguardia, el objeto técnico, la máquina, el mundo urbano mecanizado sirvió como repertorio de temas de posibilidades estéticas.

DE LO INFORMAL Y ABSTRACTO A LA CONCIENCIA CREATIVA CONTEMPORANEA, FUNDAMENTADA EN LA INVESTIGACION E INTEGRIDAD COMO MEDIO DE SUGESIÓN.

De vuelta iniciamos con musica alternativa, en frase de un compositor de musica clásica contemporánea de Morelia experto en la materia, que  denomina a forma de -codigo- el genero de “Hip Hop” al referirse a su próxima pieza, esta consiste en evitar los clichés, modas,  estereotipos,  musica popular con la que uno esta familiarizado y forma parte de una  acervo cultural pop social. Este genero que en realidad no lo es y por esta ocasión le designaremos este termino para poder referirnos a el, esta constituido por la composición de listas de musica asociadas de orden popular como “La Chica del Bikini Azul” de Luis Miguel combinado con chico Che  y los temerarios, sin que necesariamente se escuche. Referirnos a lo ordinario como extraordinario evitando rendir culto a un genero o un artista, solo musica para cada momento, sin importar que sea o de donde viene. a esto le referiríamos la denominación de hip hop solo para este  proyecto.  Que en realidad es una canción de Sofá Surfers.

Los artistas de nueva generación es necesario una comprensión, reforzamiento o referencia para la deconstrucción y construcción de elementos y composiciones como herramientas  en los procesos de la elaboración de sus trabajos, proyectos y desarrollo profesional.

Es necesario una interpretación de los eventos y  de cada pieza.  Enfocado en la observación, experimentación,  deducción,  deconstrucción, investigación… etc., (perdón por todos estos términos pero están asociados). Procurando pues en todos estos trabajos desarrollar un sano juicio técnico y temático apegado, relacionado, referido, o representado a los parámetros de cada temática en particular.

Este proyecto de taller especializado en pintura contemporánea y clásica, requiere reflexionar acerca de cómo se comprenden en el proceso de observación, comprensión y realización, ademas necesariamente de otros objetos y técnicas como la fotografía, transparencias,  construcción de escenarios, reciclaje, dibujo, pintura, grafica a modo de calca, sello, esténcil o copia fotostática entre otros que pueda ser de utilidad a representar una idea. Así como objetos de plástico, papel, piezas amorfas o significativos y representativos a representar en técnicas diversas en  pintura, fotografía, readymakers, video e instalación.

Es necesario experimentar en aspectos de cómo se suscitan los fenómenos, procedimiento y fruto para tener mas conciencia hacia donde esta orientado nuestro trabajo, cual y como es el desarrollo que queremos llevarlo. así como de donde surge porque y para que. De esta forma creamos conciencia de que es una representación artística y saber distinguirla, reconocerla dentro de las diferentes disciplinas y poder valorar por separado la calidad técnica como temática. Así pues como reconocer que están íntimamente relacionadas y ambas requieren de calidad.

Estas cuestiones son indispensables para tener un mapa claro de todos los elementos que integran la obra o representación y un registro de idea, como participa y que aporta, cual es el sentido para tener una justificación representativa de la obra.

El objeto es a veces una trampa para el espíritu. En ese caso, este puente entre la pintura y el espectador se transforma en un muro.”(6)

Zóbel, fundador del Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, se refería a su obra, considerada como abstracta, en los siguientes términos :

“Me he propuesto sencillamente pintar un cuadro… Quizá la abstra-cción en mis cuadros esté en manos del público. Si reconocen algún tema, los cuadros son figurativos, y, si no, abstractos. Pero no se trata de un juego de adivinanza…” (7)

La abstracción tiene dos orígenes complementarios, casi opuestos, a los que el informalismo(8)  añadió un tercero. El pri-mero es la forma primitiva producida por el gesto motor, la maraña lineal, el ritmo discontinuo. Después vendría la trama geométrica, la forma regular plana, realizada no con criterio representativo, sino como directa imposición de unos elementos de orden con una clara tendencia a organizar, a regulari-zar y agrupar factores rítmicos. No obstante, en cualquiera de sus formas, la abstracción se opone a la realidad sensible. Cuando los ojos se encuentran por primera vez con un determinado cuadro, se ven enfrentados a una nueva situación y tienen que orientarse. Tienen que descubrir una estructura que lleve a la mente el contenido del cuadro. Si el cuadro es figurativo, lo primero es entender el asunto representado; pero, en el caso de las obras no miméticas,  abstractas, el asunto depende de la disposición de las formas y colores que aparecen en estado puro. El tercer principio, aportado por el informalismo, es el de hacernos valorar la materia por sí misma. Los fondos se revalorizan y las formas y las calidades obtenidas por las técnicas más diversas adquieren un interés que se sitúa por encima del interés que corresponde al dibujo, al color, a la forma,  o incluso a la composición.

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